PHOTOGRAPHIE (art)Un art multiple

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La photographie contemporaine

Après la photographie ancienne qui s'étend de la naissance officielle du médium, en 1839, au début des années 1920, et la photographie moderne qui couvre le demi-siècle 1920-1970, la période contemporaine constitue le troisième grand chapitre d'une histoire relativement courte. Cette partition schématique, qui suppose naturellement un ajustement des dates selon les genres concernés et les périodes de production des artistes, doit aussi prendre en compte les transitions et les filiations des nombreux mouvements et courants. À ces nuances propres à l'évolution de chaque domaine de la création artistique s'ajoute la relation étroite et ambiguë qui existe entre photographie et peinture.

Nous tiendrons pour contemporaine la photographie qui s'éloigne de la photographie classique à la fin des années 1960, au moment où la vague du pop art achève sa conquête des arts plastiques. Cette tranche de près de quatre décennies affiche un réseau particulièrement complexe de tendances souvent indépendantes et simultanées, pour la plupart héritées de précurseurs isolés et de plus en plus étroitement liées au contexte commercial et institutionnel de l'art contemporain.

Format et couleur : le tableau

La couleur qui, au début des années 1960, fait son entrée dans la photographie d'amateur et dans le secteur publicitaire, n'intéresse guère le marché naissant de la photographie d'art, visant le seul noir et blanc. C'est dans ce contexte élitiste qu'apparaissent en 1971 les travaux des Américains Joel Meyerowitz et William Eggleston, qui sacrifient le spectaculaire et l'émotion au profit d'une vision banale du paysage, qu'il soit naturel ou urbain. Servis par les techniques maîtrisées du Dye Transfer, du Cibachrome et du tirage Fresson, les coloristes John Batho, l'Américain Ernst Haas, les Italiens Luigi Ghirri et Franco Fontana ou le Taïwanais Ko Si-Chi ne tardent pas à produire des pièces capables d'intéresser les galeries et les collectionneurs.

Par son œuvre mais aussi par son influence, le couple Bernd et Hilla Becher s'impose comme la figure la plus marquante de la photographie contemporaine. Mariés en 1961, Bernd et Hilla Becher entreprendront à deux de photographier, toujours de manière frontale, en noir et blanc et par temps gris, les éléments du paysage minier de la Ruhr, de l'Europe et des États-Unis. L'œuvre ne connaît qu'une reconnaissance relativement restreinte quand, en 1976, Bernd Becher commence son enseignement à la Kunstakademie de Düsseldorf. L'empreinte des Becher sur toute une génération de photographes reste connue sous le nom d'école de Düsseldorf, dont les disciples atteignent une reconnaissance internationale : Candida Höfer avec des vues de lieux de cultures ; Axel Hütte et ses paysages naturels ; Thomas Struth et ses photographies de musées visités ; Thomas Ruff et ses portraits ; Andreas Gursky avec des champs larges consacrés aux espaces d'activité collective ou à l'architecture des édifices publics. Peintre et sculpteur, Jean-Marc Bustamante privilégie à la fin des années 1970 une forme proche du tableau aboutissant à une représentation apparemment neutre du réel, souvent vide de tout être vivant, et qui connaîtra un large développement, notamment auprès de Stéphane Couturier, et d'Antoine Stefani qui se focalisent sur la thématique de l'architecture, ou d'Édith Roux qui recherche ses contrastes de couleur en Europe et en Chine. Le tableau est sujet à des variantes : pâleur du paysage chez Thibaut Cuisset, architectures plombées au noir chez Bruno Delamain, recherche de nuances pastel-chromo en Polaroid pour Marion Dubier-Clark. Recourant à la forme primitive du sténopé (chambre noire sans objectif, percée d'un petit trou) qu'elles reproduisent en échelle géante, Christine Felten et Véronique Massinger renouvellent l'aventure de la pose longue obligée. Également hors tendance, le Japonais Hiroshi Sugimoto atteint l'abstraction pure avec ses horizons, lignes médianes de cadrages noir et blanc, tandis que l'Américain Richard Misrach donne à ses rivages la connotation d'un cataclysme nucléaire annoncé.

Eleonor et Giles Robertson, Édimbourg, T. Struth

Photographie : Eleonor et Giles Robertson, Édimbourg, T. Struth

Thomas Struth, Eleonor et Giles Robertson, Édimbourg, 1987, tirage couleur à développement chromogène, 60 cm x 80 cm. Institut d'art contemporain, collection F.R.A.C. Rhône-Alpes, dépôt au musée d'Art moderne de Saint-Étienne. 

Crédits : Y. Bresson/ Musée d'art moderne, Saint-Etienne-Métropole

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Le paysage, trace d'une histoire

Parallèlement à la recherche formelle sur l'espace, la photographie de paysage produit des œuvres impliquées dans le contexte d'une réalité de terrain ou d'une actualité géopolitique. Le mouvement des Nouveaux Topographes apparu aux États-Unis au début des années 1970 présentait, en 1975, des auteurs fédérés par l'intention de restituer la réalité du paysage américain en transformation : Robert Adams, Joe Deal (1947-2010), Frank Gohlke Nicholas Nixon, John Schott, Stephen Shore, Henry Wessel Jr. Le Britannique John Davies qui commençait alors sa carrière par une série de photographies sur les îles Britanniques devait, à partir du début des années 1980 et toujours en grand format noir et blanc, orienter son travail vers les incongruités urbanistiques des grandes villes d'Angleterre. Le paysage, rural ou urbain, perçu comme empreinte de l'histoire contemporaine, marque le territoire d'artistes tels que Stéphane Duroy dont une grande part de l'œuvre est consacrée à l'atmosphère des pays de l'ex-bloc soviétique, Françoise Huguier dans sa quête d'empreintes d'Afrique et d'Asie, Claudine Doury et le Britannique Rip Hopkins dans leur propres investigations en Asie centrale, culturelle chez l'une, socio-historique chez l'autre. Plus intimistes sont la description impressionniste de la ville du Caire de Denis Dailleux et les recherches de l'Américaine Frances Dal Chele sur la relation d'appartenance qui existe entre les êtres et les lieux. Le sens de l'histoire contemporaine marque encore les photographies prises en grand format au cœur des villes par Jean-Christophe Ballot, l'important travail sur les traces aujourd'hui ténues mais définitives du Mur de Berlin de Patrick Tournebœuf, l'interrogation de façades occultes par le Japonais Takuji Shimmura ou l'investigation esthétique menée en Corée du Nord par Philippe Chancel.

Belfast, S. Duroy

Photographie : Belfast, S. Duroy

Berlin, la Pologne, l'Irlande, mais aussi le Portugal et les États-Unis des laissés-pour-compte. Dans une œuvre rare et intense, Stéphane Duroy rassemble les traces infimes que l'Histoire laisse sur les lieux et les visages. Stéphane Duroy, Belfast, 1980. 

Crédits : Stéphane Duroy

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La photographie plasticienne

À partir des années 1980 et en dehors des polémiques soulevées autour de son rôle et de son pouvoir au sein de la société, la photographie a intéressé plusieurs peintres et sculpteurs, en particulier l'Américain Robert Rauschenberg (1925-2008) dans l'utilisation qu'il [...]

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Robert Delpire

Robert Delpire
Crédits : Zhang Yuwei/ Chine Nouvelle/ Sipa

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Blessé durant la guerre du Pacifique, W. Eugene Smith

Blessé durant la guerre du Pacifique, W. Eugene Smith
Crédits : Eugene Smith/Getty Images

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Paris, A. Kertesz

Paris, A. Kertesz
Crédits : Frac-collection Aquitaine

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Robert Frank

Robert Frank
Crédits : Fred Stein Archive/ Archive Photos/ Getty Images

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  • : professeur d'histoire de la photographie, critique
  • : agrégé de l'Université, conservateur au Cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale

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Pour citer l’article

Hervé LE GOFF, Jean-Claude LEMAGNY, « PHOTOGRAPHIE (art) - Un art multiple », Encyclopædia Universalis [en ligne], consulté le 25 novembre 2021. URL : https://www.universalis.fr/encyclopedie/photographie-art-un-art-multiple/