CINÉMA (Réalisation d'un film)Mise en scène

Les deux postulations de la mise en scène

Avec l'arrivée du parlant, le terme « mise en scène », jugé trop théâtral lorsqu'on cherchait à définir la spécificité du cinématographe, n'a plus de raison d'être banni, d'autant qu'il décrit assez justement la pratique du métier. La place de la caméra définit, par l'objectif choisi et le cadre, un espace donné, une « scène », à la fois empruntée à la réalité – avant l'existence de l'image numérique et virtuelle – et hors de cette réalité. Vue sous cet angle, la mise en scène peut être un acte décisif comme une fonction dérivée et accessoire. Le metteur en scène est-il le « visualisateur » dont rêvait Marcel L'Herbier dans les années 1920, ou le simple serviteur d'un « texte » préalable ? L'histoire concrète du cinéma comporte en fait les deux types de fonctions et d'hommes. C'est en France, dans les années 1950, que le terme mise en scène a connu une indéniable inflation et est devenu un enjeu théorique : il désigne alors le moment essentiel et décisif d'un film d'« auteur », dépassant et recouvrant toutes les autres phases de la réalisation.

Précurseur des Cahiers du cinéma, La Revue du cinéma (2^e série), dirigée par Jean-George Auriol, ouvre son premier numéro, en octobre 1946, par un article de ce dernier intitulé significativement « Les Origines de la mise en scène ». Auriol fait remonter celle-ci à Giotto qui, « peintre né, de notre double point de vue moderne et cinématographique, est un précurseur parce que, s'il ne pouvait se déclarer cinéaste, il n'en était sans doute pas moins très conscient de son rôle de metteur en scène. Réalisant [à fresque] les scénarios tirés de l'Évangile et de la vie des saints par des prêtres adaptateurs, il les racontait en images éloquentes ; mais il ne les tirait pas tant de la nature telle qu'elle a été créée qu'il ne les composait en imitant le créateur. [...] Giotto s'efforçait de rendre visible l'invisible. Il opérait sans acteurs, sans « interprètes ». Il était lui-même l'interprète de Dieu, son imitateur déjà orgueilleux mais pas son concurrent, pas son rival ». Jean-George Auriol pose là la problématique fondamentale du cinéma qui va agiter critiques et théoriciens durant plus d'un demi-siècle et déterminer la pratique des cinéastes. La mise en scène peut être un acte démiurgique, qui vise à un contrôle absolu de l'univers du film par le maître d'œuvre imposant sa « vision du monde », au sens physique comme idéologique, voire métaphysique. Elle peut être au contraire ouverte sur le monde, à la manière d'une fenêtre, laissant le dernier mot à la nature et au hasard. Ce fut l'attitude de Louis Lumière lançant ses opérateurs à travers le monde pour en ramener des images inédites, enfin mouvantes, et les porter à la connaissance de chacun. Passé le succès de curiosité et l'exploration des possibilités immédiates du cinématographe, le cinéma des premiers temps va privilégier, dans la foulée de Georges Méliès, la première option. La mise en scène s'enferme de préférence dans une cage de verre préfigurant les studios à venir, referme son espace sur des toiles peintes, dirige ses acteurs – plus marionnettes ou androïdes qu'humains – à la façon d'un chef d'orchestre. C'est d'autant plus vrai que dans un cinéma à plan unique et point de vue unique, le geste du cinéaste investit et contrôle l'espace de la scène dans toute sa surface, dont il organise les limites (cadre, décor), le contenu (acteurs, accessoires) et les mouvements (action, parcours des corps et des objets, entrées et sorties de champ). La place du spectateur est fixée et fixe. Le hasard, l'aléatoire sont exclus.

Georges Méliès

Le plateau du cinéaste français Georges Méliès lors du tournage d'un film féerique en 1902. 

Crédits : Henry Guttmann/ Hulton Archive/ Getty Images

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Plus la technique devient complexe (avec les changements de plans et de point de vue), plus cet espace échappe à son origine théâtrale pour devenir spécifiquement cinématographique, installant en son centre un spectateur doté d'ubiquité. En permanence, un espace qui échappe au metteur en scène – le hors-champ – est laissé à l'imagination du spectateur. La tendance naturelle de l'artiste est alors de se protéger de ce risque de perte de maîtrise par une domination absolue du matériau cinématographique. Le hors-champ sera le moins possible sollicité, la liberté d'imagination du spectateur étant soit réduite à néant, soit mise à profit par le réalisateur lui-même : c'est ce qu'Alfred Hitchcock a [...]

Alfred Hitchcock

Le réalisateur britannique Alfred Hitchcock (1899-1980) devant le tableau où figure une partie des dialogues de son film Les Enchaînés (Notorious), en 1946. 

Crédits : Hulton Archive/ Getty images

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Cinéma : montage de la pellicule
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