AUTOPORTRAIT, peinture

En Occident, l'apparition de l'autoportrait comme motif puis comme genre pictural se situe à la fin du Moyen Âge (xiv^e siècle). Auparavant, dans la miniature, les représentations d'artistes au travail ne font pas défaut, mais l'autoportrait en tant qu'image réflexive manifestant la conscience d'une singularité est beaucoup plus rare : citons celui de frère Rufilus, de l'abbaye de Weissenau, dans un légendaire du xii^e siècle, et celui de la nonne Guda dans un livre d'homélies à peu près contemporain. Ces représentations, souvent inscrites dans une lettrine et accompagnées du nom de l'exécutant, ont valeur de signature. En ce sens, et bien que la ressemblance n'en soit pas réellement l'enjeu, elles attestent l'existence dès cette époque d'un certain individualisme dans le domaine artistique. Cette tendance devait trouver, à la Renaissance, une caution nouvelle dans les idées humanistes qui, à la lumière de l'héritage gréco-latin, célébraient l'Homme et les témoignages de son génie, distinguant du même coup la personne de l'artiste. Reste que dans le monde antique l'autoportrait semble avoir été une pratique assez exceptionnelle : les quelques exemples de peintres au travail que l'on trouve dans la céramique grecque ou dans la peinture égyptienne échappent à cette catégorie car ce sont des images corporatives ou des marques de fabrique, dénuées de ressemblance. En revanche, il est intéressant de constater que les rares autoportraits attestés par les textes grecs, chez Apelle et Parrhasios notamment, passaient en leur temps pour des exercices de virtuosité. La naissance de l'autoportrait, dans la peinture occidentale, est, de fait, intimement liée à des progrès d'ordre technique dont l'irruption aurait favorisé un penchant à se représenter sans doute inhérent à la nature artistique : ce fut d'abord, à la fin du xiv^e siècle, la mise au point et la diffusion, à partir de Venise, des miroirs de verre, puis la découverte de la peinture à l'huile, médium dont la fluidité autorisait, davantage que la fresque et la tempera, un rendu précis des apparences. Devenu maître de sa propre image, le peintre (beaucoup plus rarement le sculpteur : là des raisons techniques semblent avoir joué en sens inverse) devait faire de celle-ci le véhicule d'expression privilégié de ses doutes et de ses aspirations personnels, comme des ambitions et des limites de son art. Si la pratique de l'autoportrait fut surtout vivante entre le xv^e siècle et la fin du xix^e siècle, elle s'est maintenue, en dépit des abstractions, jusqu'à notre époque, et connaît même depuis le pop art et l'hyperréalisme un regain de faveur auprès des peintres. Son exploitation par la photographie depuis plus d'un siècle et l'utilisation de cette technique par les peintres (ainsi chez Andy Warhol) ont sans doute contribué à la survivance du genre dans le domaine propre de la peinture.

Le peintre en saint Luc

Apparue, semble-t-il en Flandres, au xv^e siècle (Rogier Van der Weyden, Dirk Bouts) et assez répandue jusqu'à la fin du siècle suivant (Niklaus Manuel Deutsch, Jan Gossaert dit Mabuse, Lancelot Blondeel...), la formule de l'autoportrait – réaliste ou symbolique – « en saint Luc peignant la Vierge » constitue une introduction idéale à l'histoire du genre, car son évolution épouse celle du statut de la peinture de la fin du Moyen Âge à l'époque moderne. Lorsque, vers 1434, Rogier Van der Weyden (Museum of Fine Arts, Boston) reprend ce très vieux thème de l'art occidental en donnant peut-être au saint patron de sa corporation ses propres traits, il le fait dans un esprit qui adhère encore à la spiritualité médiévale : agenouillé devant la Vierge et l'Enfant, dans un palais ouvert par une baie tripartite sur l'immensité du monde,[...]